SANS FAÇON

Charles Blanc, Frankreich, und Tristan Surtees, UK, leben und arbeiten u.a. in Glasgow

 

Sans façon bezeichnet die kollaborativen Projekte des französischen Architekten Charles Blanc und des britischen Künstlers Tristan Surtees. Gemeinsam erkunden sie seit 2001 in diversen temporären wie permanenten Projekten die komplexe Beziehung zwischen Menschen und Orten. Sie sehen sich dabei in der Rolle eines Katalysators, der Prozesse intensiver Auseinandersetzung mit dem umgebenden Raum in Gang setzt. Dementsprechend ist die intensive Zusammenarbeit mit den Menschen vor Ort entscheidend für die jeweilige Umsetzung ihrer Projekte, die von Architektur und Social Design über urbane Interventionen bis hin zu künstlerischen Installationen reichen.

Von 2009 bis 2011 entwickelten Sans façon eine neue Fußgängerbrücke über den Fluß Char im Küstenort Charmouth (Dorset, UK). Ihre Aufgabe war es, die alte Brücke, die nicht länger erhalten werden konnte, mit limitiertem Budget durch eine neue zu ersetzen. Wie bei den meisten ihrer Projekte setzten Blanc und Surtees auf die Zusammenarbeit mit Fachkräften und Beratern vor Ort. Gemeinsam wurde die Idee einer neuen Brücke entwickelt, die sich in die besondere Landschaft einfügt, zum Überqueren des Flusses einlädt und einen Aussichtspunkt und Ort zum Verweilen bietet. Das Design der Brücke erinnert an zwei Stege, die sich in der Mitte treffen und dort eine Plattform ausbilden, die wie ein kleiner öffentlicher Platz funktioniert und zugleich quasi als „Balkon“ dient, um die spektakuläre Aussicht zu genießen.

Eher installativ ist die Arbeit „Iconic Site“, die erstmals 2007 in Manchester und seitdem in mehreren Städten in Großbritannien gezeigt wurde. Es handelt sich dabei um den Schriftzug „Iconic Site“, der in großen, leuchtenden Lettern – ähnlich den klassischen Leuchtreklamen – auf Häusern oder Plätzen installiert wird. Der Schriftzug ist als Reaktion auf die weit verbreiteten Kampagnen zu verstehen, welche sich darum bemühen, Städten mithilfe bestimmter Phrasen ein neues Image zu verleihen, damit häufig massiv in gewachsene Strukturen eingreifen und sich über das eigene Empfinden der Bewohner für ihre Stadt hinwegsetzen.

Zur Aktion der Künstler

www.sansfacon.co.uk/

 

 

Charles Blanc, France, lives and works in Glasgow
Tristan Surtees, UK, lives and works in Glasgow

 

Sans façon is a term for the collaborative projects of French architect Charles Blanc and British artist Tristan Surtees. Since 2001, they have been examining the complex relationship between people and places in various temporary and permanent projects. They consider themselves as catalysts, setting in motion processes of intense exploration of the surrounding space. Accordingly, a close collaboration with local people is essential for the realization of the respective projects, ranging from architecture and social design to urban interventions and installations.

From 2009 to 2011, Sans façon devised a new footbridge across the river Char in Charmouth (Dorset, UK) on the Dorset coast. Their task was to replace the old bridge – no longer maintainable – with a new one, using a limited budget. As with most of their projects, Blanc and Surtees counted on the close collaboration with local experts and consultants. Together, they developed the idea for a new bridge, embedded in the unique landscape, renewing the pleasure of crossing the river whilst allowing for a resting place with great views. The design of the bridge is reminiscent of two jetties meeting in the middle to form a platform acting as a small public square, whilst serving as a ‘balcony’ for enjoying the spectacular views.

‘Iconic Site’, first shown in 2007 in Manchester is rather installative. It has since been shown in several cities across the UK. It consists of the phrase ’Iconic Site’, produced in large, luminous lettering – similar to a typical neon advertising sign – installed on buildings and other sites. The sign is meant as a reaction to the widespread campaigns aimed at lending a new image to places with the aid of specific phrases, thus often massively interfering with the existing structures, and defying the sensibilities of locals regarding place or town.

action of the artists

www.sansfacon.co.uk/

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EILEEN PERRIER

*1974 in London, Großbritannien, lebt und arbeitet in London, Großbritannien
1993-1996 The Surrey Institute of Art and Design, Farnham, Surrey
1998-2000 The Royal College of Art, London

 

Perrier wurde in London geboren, ihre familiären Wurzeln liegen in Ghana und der Dominikanischen Republik. Themen wie kulturelle Identität, Vielfalt und Verortung zu hinterfragen, ist wesentlicher Bestandteil ihrer künstlerischen Arbeit. Ihre Fotografien wurden in vielen Einzel- und Gruppenausstellungen gezeigt, unter anderem von The Photographers Gallery, London, und Tate Britain, London, sowie im Rahmen der Ausstellung „Africa Remix“ in der Hayward Gallery, London, und im Centre Pompidou, Paris.

2010 waren einige ihrer Arbeiten Teil der Ausstellung „A Useful Dream: African Photography 1960-2010“ in Brüssel. Perrier ist eine Meisterin der Porträtfotografie in situ und findet ihre Modelle häufig auf der Straße sowie in fremder Umgebung. Mit einfachen Mitteln, einer Großformatkamera und einer historischen Kopfstütze, gelingt es ihr, im öffentlichen Raum eine besondere Studiosituation zu schaffen, die vielen in Zeiten digitaler Fotografie nicht mehr vertraut ist. Die dabei entstehenden Fotografien erzählen von der direkten Begegnung zwischen Fotografin und Modell bzw. einer face-to-face-Situation, in der beide über den Kameraapparat für einen Moment miteinander verbunden sind.

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Eileenperrier.com

 

*1974 in London, UK, lives and works in London, UK
1993-1996 The Surrey Institute of Art and Design, Farnham, Surrey
1998-2000 The Royal College of Art, London

 

Perrier was born in London; her family is from Ghana and the Dominican Republic. An essential part of her artistic work is the notion of cultural identity, diversity and migration. Her photographs were part of many solo and group exhibitions, among others at The Photographers Gallery, London, and Tate Britain, London, as well as in ‘Africa Remix’ at the Hayward Gallery, London and the Centre Pompidou in Paris.

In 2010, some of her works were part of the exhibition ‘A Useful Dream: African Photography 1960 – 2010’ in Brussels. Perrier is a master of in-situ portrait photography, and she often finds her subjects in the street and in strange environments. By use of simple means – a large format camera and historic headrest – she manages to create a peculiar studio situation within the public space that appears unfamiliar in these times of digital photography. The resulting photos speak of the direct encounter between photographer and model, about a face-to-face situation where the two are briefly connected via the camera.

Action of the artist

Eileenperrier.com

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SILKE EVA KÄSTNER

*1971 in Bühl/Baden, Deutschland, lebt und arbeitet in Berlin, Deutschland
1998-2004 Akademie der Künste Karlsruhe, Glasgow School of Art, Diplom an der Kunsthochschule Berlin-Weissensee
2004 Meisterschülerin bei Katharina Grosse
2008 Night School, New Museum, New York

 

Silke Eva Kästners Arbeiten nehmen die monochrome Malerei zum Ausgangspunkt, setzen diese aber den Einwirkungen spezifischer Orte sowie den Veränderungen durch Besucher und Passanten aus. In Anlehnung an Brian O’Dohertys Überlegungen zum White Cube versteht Kästner die Wand des Ausstellungsraums als Membran, welche Austauschvorgänge mit dem Außenraum zulässt. Sie geht noch einen Schritt weiter, wenn sie, wie in der Arbeit „Cusec“, die Straße zum gleichzeitigen Ort des Produzierens und Zeigens von Kunst macht, die Passanten in diesen Prozess einbindet und den öffentlichen Raum ungehemmt bespielt, als handele es sich um eine ungestörte, private Nische für künstlerisches Schaffen.

Mit verschiedenen Arbeiten, sowohl im Innen- als auch im Außenraum, aktiviert Kästner das ästhetische Vermögen und das individuelle Farbempfinden jedes einzelnen. So besitzt zum Beispiel ihre Arbeit „Interference“ (2009) insofern partizipatorischen Charakter, als die Besucher hier zufällig angeordnete, farbige Papiere im Raum verschieben, entfernen oder hinzufügen konnten. Die so entstehenden Farbbewegungen und Farbkonstellationen vollzogen sich ohne die Künstlerin und konnten von ihr nicht mehr beeinflusst werden.

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*1971 in Bühl/Baden, Germany, lives and works in Berlin, Germany
1998 – 2004 Akademie der Künste Karlsruhe, Glasgow School of Art, graduated from Berlin Weissensee School of Art
2004 ‘Meisterschülerin’ of Katharina Grosse
2008 Night School, New Museum, New York

 

Silke Eva Kästner’s works have their starting point in monochrome painting, though they have been subjected to the influences and effects of specific sites, as well as changes caused by viewers and passers-by. Following Brian O’Doherty’s deliberations on the White Cube, Kästner considers the wall of an exhibition space a membrane, allowing for a process of interchange with the outside space. In works like ‘Cusec’, she goes one step further by turning the street into a place for simultaneously producing and showing art that involves passers-by in the process and uses the public space with as much ease as if it were a private corner for untroubled artistic creation.

Kästner activates the aesthetic capacity and individual sense of color of every participant. Her work ‘Interference’ (2009), for instance, is inherently participatory, in as much as it enabled the viewer to change, remove or add randomly distributed colored pieces of paper within a space. The resulting movements and constellations of color happened without the artist, and were beyond her control.

action of the artist

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CHRISTIAN JANKOWSKI

 

*1968 in Göttingen, lebt und arbeitet in Berlin
Studium an der Hochschule für Bildende Künste Hamburg
Seit 2005 Professur für Bildhauerei an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart

Ausgewählte Einzelausstellungen:
2011    „Jesus está aquí“, Proyectos Monclova, Mexico City, MX
2010    “ Kunst und Krise”, Akademie der Künste, Berlin, DE
2010    “Jeck We Can”, Julia Stoschek Collection, Duesseldorf, DE
2009    „Blinddate with 1516 Singles”, Temporaere Kunsthalle Berlin, DE
2008    „Dienstbesprechung“, Kunstmuseum Stuttgart, Stuttgart, DE (cat.)
2007    „Living Sculptures: The Real Fiction I“, Neue Nationalgalerie, Berlin, DE

 

Die konzeptuellen Arbeiten von Christian Jankowski führen vieles von dem, was von der, zumindest von guter Kunst erwartet wird, ad absurdum. Mit dieser Strategie, die viel von einem mittelalterlichen Hofnarren geerbt hat, trifft er nicht selten ins Zentrum der Herstellung wie auch der Betrachtung und des Umgangs mit der Kunst. Wer weiß schon, ob der Narr den König belustigt oder ihn nur zum Narren hält?

Beobachtung und Beobachtetwerden sind die zwei Seiten ein und derselben Medaille, ist die Form der Beobachtung, mit der der Künstler kommuniziert. Und Jankowskis Arbeiten entstehen aus vielen Beobachtungen, aus vielen Irritationen, die man normalerweise vor die Tür des Ateliers zu verbannen versucht. Vielleicht hat sich auch aus der Not eine Tugend ergeben und die Angst vor dem Scheitern eine Strategie diktiert, die ihm das tatsächliche Scheitern tragischerweise nicht mehr erlaubt.

In einem der bekanntesten Fälle lässt Jankowski von einer italienischen TV-Wahrsagerin sein Schicksal bestimmen und verwendet das dabei aufgezeichnete Videomaterial als das Werk, welches er 1999 nach Venedig auf die Biennale schickt. In dem mit „Telemistica“ betitelten Film wird Jankowski eine erfolgreiche Laufbahn vorausgesagt. Jankowski findet seine Ideen in der Realität und in den Menschen, die an diese Realität glauben und sie als die allgemeine Realität verstehen. Nicht von ungefähr spielt ein großer Teil seiner Arbeiten mit den populären Medien wie TV und Internet. „Kunstmarkt TV“ stellt einen weiteren despektierlichen Akt gegen den bürgerlichen Mythos einer autonomen Kunst dar, wenn nämlich von einem bekannten Teleshopping-Moderatoren die zum Verkauf stehenden Kunstwerke im gleichen Duktus wie Fußwärmer oder Schlankheitspillen angeboten werden.

Jankowski lässt seine Arbeiten von anderen machen, er nistet sich als Künstler ein in bereits existierende Produktionsstrukturen, um dadurch die Kunst mit der Welt zu verbinden, die Welt und die Kunst einem Belastungstest auszusetzen, sie beiderseits zu dekonstruieren.

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*1968 in Göttingen, Germany, lives and works in Berlin
Studied at Hochschule für Bildende Kunst Hamburg
Since 2005 Professor for Sculpture at Staatliche Akademie der Bildenden Künste Stuttgart

 

Selected solo exhibitions:
2011    „Jesus está aquí“, Proyectos Monclova, Mexico City, Mexico
2010    “ Kunst und Krise”, Akademie der Künste, Berlin, Germany
2010    “Jeck We Can”, Julia Stoschek Collection, Düsseldorf, Germany
2009    „Blinddate with 1516 Singles”, Temporäre Kunsthalle Berlin, Germany
2008    „Dienstbesprechung“, Kunstmuseum Stuttgart, Stuttgart, Germany (cat.)
2007    „Living Sculptures: The Real Fiction I“, Neue Nationalgalerie, Berlin, Germany

 

Christian Jankowski’s conceptual works take ad absurdum the generally accepted notion of what is expected of good art. Not unlike a medieval jester, his strategy frequently strikes at the core of the production, as well as treatment, use and management of art. Who knows whether the jester merely entertains the king, or makes a fool out of him?  Observation and being observed are two sides of the same medal; it’s the mode of observation used to communicate by the artist. Jankowski’s works are the result of many observations, irritations that are usually not dealt with in everyday practice.  Maybe he made a virtue of necessity, fear of failure dictating a strategy that tragically does not allow for failure. In one of the most well-known cases, Jankowski has his fortune told by an Italian TV-fortuneteller, and then turns the recorded video into the actual piece, sending it to the Venice Biennale in 1999. The film titled ‘Telemistica’ predicts a bright future for Jankowski.

Jankowski draws his ideas from reality, and from people believing in this reality and accepting it a de facto reality. It’s not without reason that a large part of his works use popular media such as TV and the Internet. ‘Kunstmarkt TV’ represents a further disrespectful act against the bourgeois myth of the autonomy of art by using a well-known Teleshopping presenter to flog works of art in the same manner as he would with foot warmers and diet pills.

Jankowski has his work produced by other people; he merely takes advantage of existing production structures to connect art with the world, to expose the world and art to a stress test, and to deconstruct them both.

action of the artist

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JACOB DAHLGREN

*1970 in Stockholm, lebt und arbeitet in Stockholm, Schweden
1994-99 Kungl. Konsthögskolan (MA), Stockholm
1991-94 Grafikskolan in Stockholm
1990-91 Nyckelviksskolan

 

Jacob Dahlgren untersucht Formen malerischer Abstraktion, die im Alltag zu entdecken sind. Seine Materialien sind dabei häufig geradezu banal alltäglich und „kunstfremd“: Plastikbügel, Joghurtbecher, Dartscheiben, Buntstifte, Spiegel, Schwämme, Seidenbänder, gestreifte T-Shirts. Gegenstände, die unserer Alltagswelt entstammen und zu denen wir deshalb ein Gefühl der Vertrautheit entwickelt haben, werden von Dahlgren kontrolliert und mit klarem Konzept eingesetzt. So offenbaren die meisten trivialen Gegenstände ihr „Kunstpotenzial“ erst dann, wenn Dahlgren sie quasi ins Serienprinzip überführt.

Für die Arbeit „I, the world, things, life“, mit welcher der Künstler 2007 im Nordischen Pavillon der Biennale vertreten war und die auch in diesem Jahr bei der Nacht der Museen in der Schirn zu erleben war, verwendete er einfache Dartscheiben, deren – eigentlich funktional gedachtes – Muster durch die massenhafte Anordnung auf einer riesigen Wand in ein großes, abstraktes Bild verwandelt wurde. Die Formensprache Dahlgrens funktioniert, indem sie auf Seherfahrungen rekurriert, die den Betrachter an verschiedene künstlerische Stile des 20. Jahrhunderts wie Konstruktivismus, Op Art, Minimal Art und Pop Art erinnern, und ein kollektives Bildgedächtnis aufruft. Die Auseinandersetzung mit der Kunst der Moderne ist für Dahlgren jedoch nicht nur ein formales Unterfangen.

Seinen Bildkompositionen, raumgreifenden Skulpturen und Installationen wohnt bei aller formalen Strenge etwas lustvoll Befreiendes inne, häufig machen sie den Betrachter zum Mitspieler oder Produzenten. So konnten Besucher die oben genannten Dartscheiben mit Pfeilen bewerfen und das Bild somit selbst verändern oder komplettieren – eine besondere Form von Action Painting. Mit der Auflösung der Grenze zwischen Kunstwerk und Rezipient wird das modernistische Kunstwerk in einen offenen Prozess überführt, wobei diese Transformation auch als spielerische Erneuerung des utopischen Potenzials der Moderne verstanden werden kann.

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www.jacobdahlgren.com

 

*1970 in Stockholm, lives and works in Stockholm, Sweden
1994 – 1999 Kungl, Konsthögskolan, (MA), Stockholm
1991 – 1994 Grafikskolan, Stockholm
1990 – 1991 Nyckelviksskolan

 

Jacob Dahlgren explores forms of painterly abstraction found in everyday life. His materials are frequently rather banal and not commonly used in art: plastic hangers, yoghurt tubs, dartboards, crayons, mirrors, sponges, silk ribbon, stripy t-shirts. Objects rooted in our everyday lives, and that we have become familiar with, are controlled by Dahlgren, and he uses them according to very clear concepts. Thus, many of the most trivial objects only reveal their ‘potential as art’ when Dahlgren translates them into series.

For ‘I, the world, things, life’, shown at the Norwegian Pavilion at the 2007 Biennale in Venice, he used ordinary dartboards, transforming their – de facto functional – design into a large abstract image, due to the multitudinous arrangement on a giant wall. Dahlgren’s use of form works by falling back on visual experience, reminding the viewer of specific styles of the 20th century, such as constructivism, op art, minimal art, and pop art, thus evoking a collective pictorial memory. Dahlgren’s consideration of modern art is not only of a formal nature. Despite their apparent formal austerity, his compositions, sculptures and installations have a ravishingly liberating quality, and they frequently turn the viewer into a participant and producer.

Viewers were able to throw darts at the above-mentioned dartboards, thus altering, or completing the picture – a particular form of action painting. By dissolving the boundaries between the work of art and the recipient, the modernist work of art is transformed into an open process, whereupon this transformation can also be appreciated as a playful rehabilitation of the utopian potential of modernism.

action of the artist

www.jacobdahlgren.com

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